Nei film giapponesi, troviamo spesso una sfumatura dei confini tra i dialoghi dei personaggi e il testo di un determinato brano, tanto che la spinta narrativa del film dipende spesso considerevolmente dal testo del brano e la sua bellezza e viceversa. Di seguito sono riportati 10 indimenticabili canzoni di film giapponesi che sembrano fatti perfettamente l’uno per l’altro, e in alcuni casi lo sono effettivamente — infatti, in due esempi, vediamo come le canzoni pop giapponesi preesistenti siano servite da ispirazione e materiale di partenza per produzioni cinematografiche. Alzate il volume e premete play!
Summer di Joe Hisaishi
Kikujiro è un film drammatico giapponese del 1999 interpretato, scritto e diretto da Takeshi Kitano. La sua colonna sonora è stata composta da Joe Hisaishi. Il film è stato presentato al Festival di Cannes del 1999.
Kikujiro racconta la storia di un ragazzo che cerca sua madre durante le vacanze estive. Il film è per lo più diviso in capitoli più piccoli, elencati come voci nel diario delle vacanze estive del ragazzo. L’ispirazione di Kitano per il personaggio (non il film) è stato suo padre, Kikujiro Kitano, un giocatore d’azzardo che ha lottato per sfamare la sua famiglia e pagare l’affitto.
Simile ai suoi primi lavori Getting Any? e A Scene at the Sea, Kitano fa riferimento alla yakuza solo tangenzialmente in Kikujiro, un allontanamento dal suo lavoro in drammi polizieschi come Sonatine e Hana-bi. Rivolto a tutta la famiglia, il film sarebbe stato ispirato da Il mago di Oz con la premessa di base di un viaggio su strada.
Sono presenti gli elementi e i luoghi familiari di Kitano: disegni, scenette, il mare e gli angeli.
Sebbene la trama sia composta in gran parte da eventi tristi, il film ha spesso un’atmosfera spensierata, ottenuta principalmente attraverso il personaggio di Kitano e i suoi incontri alquanto bizzarri.
Hitomi wo Tojite di Ken Hirai
Dal film Crying Out Love in the Center of the World, il secondo film giapponese con il maggior incasso del 2004, battuto solo dall’enorme successo dell’anime Howl’s Moving Castle ha anche prodotto il singolo musicale più popolare di quell’anno in Hitomi wo Tojite (Close Your Eyes)”.
La storia di un giovane avverso al matrimonio, Sakutaro, del suo giovane amore perso in tragedia e della sua lotta per accettare e andare avanti con l’amore adulto, è stata una narrativa estremamente fertile per una ballata d’amore giapponese.
Insieme, questo film e la sua colonna sonora di fatto sono considerati il punto di partenza per il sottogenere Pure Love del cinema giapponese moderno. Hitomi wo Tojite, il ventesimo singolo di Ken Hirai, è diventata la sua canzone più venduta e un grande successo in Giappone, incoronando le classifiche nazionali e diventando fonte di ispirazione per molteplici cover in Giappone e in altri paesi asiatici, tra cui Taiwan e Corea del Sud.
I melodrammi romantici come il lungo lungometraggio giapponese del 2004 intitolato Crying out Love in the Center of the World, sono quasi la maggioranza nei paesi asiatici e di certo ci vuole uno sforzo considerevole perché un film o una serie drammatica di quel genere si distinguano della folla. Da serie drammatiche a film come Il Natale in agosto della Corea del Sud o My Sassy Girl, è chiaro che i paesi asiatici hanno perfezionato la formula per una narrazione melodrammatica di qualità.
Crying Out Love in the Center of the World non fa eccezione a questa regola e se mai ci fosse una classifica di alcuni dei migliori strappalacrime romantici emersi dal Giappone, puoi scommettere che questo sarebbe un contendente perfettamente adatto. È stato un enorme successo in Giappone al momento della sua uscita e successivamente ha ispirato altri film e programmi televisivi a imitarne la formula. Ha anche ricevuto un remake sudcoreano sotto forma di My Girl and I del 2005.
Basato su un romanzo melodrammatico, il film ruota attorno alla storia d’amore di due adolescenti: Saku (Mirai Moriyama) e Aki (Masami Nagasawa). La loro storia d’amore si svolge nel 1986 ma nel Giappone di oggi, un adulto Saku (Takao Osawa) rievoca i suoi giorni giovanili con Aki quando è costretto a tornare nella sua città natale dopo aver scoperto che la sua fidanzata Ritsuko (Kou Shibasaki) è fuggita lì.
Ascoltando vecchi diari audio registrati su cassette che Aki ha condiviso con lui, Saku rivisita luoghi significativi che lui e Aki condividevano, incapace di scrollarsi di dosso il fantasma di Aki dalla sua memoria.
Crying Out Love in the Center of the World è diretto da Isao Yukisada il cui approccio al film è piuttosto metodico. Una delle cose fondamentali da capire sui melodrammi realizzati in Asia è che i registi esperti in questo tipo di film sono molto intelligenti con il tempo che gli viene concesso per raccontare la storia.
Costruire una storia d’amore che sia credibile e che richieda al pubblico di investire le proprie emozioni verso di essa è un lavoro difficile e il successo del film dipende da questo fatto. Crying Out Love in the Center of the World riesce a costruire una storia d’amore emotivamente trattenuta tra Saku e Aki, nonostante gli ultimi momenti del film in cui, è vero, poteva trovare una conclusione più rapida.
One Love di Arashi
Basato sull’omonimo manga di Yoko Kamio, Boys Over Flowers – Final è stata davvero l’ultima affermazione di una serie di opere filmate nel canone di Boys Over Flowers. La narrativa in qualche modo contorta, che include intrighi internazionali e avventure incentrate su una tiara cimelio di famiglia, segue le prove e le avventure della relazione e del fidanzamento della ragazza della classe operaia Tsukushi con il suo ragazzo di una classe sociale più agiata.
Il protagonista maschile del film, Tsukasa, è stato interpretato da Jun Matsumoto, che è anche un membro del supergruppo pop giapponese Arashi. Il gruppo ha composto One Love come sigla ufficiale del film e si sono persino esibiti in accompagnamento a un’esibizione dal vivo nel personaggio del cast del film in una conferenza stampa promozionale.
Hana Yori Dango è una serie manga serializzata dal 1992 al 2003. È il manga più venduto in Giappone. È stato presto trasformato in un lungometraggio nel 1995 e poi in un anime di 51 episodi nel 1997. Da lì, Meteor Garden 1 e 2 sono stati rilasciati nel 2001/02 a Taiwan. Hana Yori Dango è uscito nel 2005, seguito da HYD Returns nel 2007 e HYD Final (un film conclusivo) nel 2008 in Giappone.
Boys Over Flowers è andato in onda nel 2009 in Corea del Sud. Meteor Shower è uscito nel 2010 in Cina. Il remake americano, Boys Before Friends, è stato di breve durata nel 2014 e l’ultimo adattamento, Kaisi Yeh Yaariyan (una versione vagamente basata), è stato rilasciato in India anche nel 2014. L’autore del manga, Yoko Kamio, ha avviato la serializzazione del sequel, Hana Nochi Hare ~HanaDan~ Next Season (aka Boys Over Flowers Stagione 2) bisettimanale online tramite Viz Media.
La storia è praticamente una rivisitazione di Cenerentola, se fosse una studentessa delle superiori e il Principe Azzurro fosse un gigantesco idiota (non sempre, giuro).
Una ragazza comune e normale ottiene una borsa di studio per frequentare la scuola più ricca ed esclusiva di sempre, e quasi subito si mette in gioco con il ragazzo più popolare del posto. È il leader della F4: sono i quattro studenti più ricchi della scuola che sono stati tutti amici fin dall’infanzia. Dopo un paio di incontri interessanti con lui, è convinto che le piaccia e l’inseguimento è iniziato. Il resto della F4 diventa amico di lei abbastanza rapidamente, perché non hanno mai visto nessuno resistergli come lei. Ognuno di loro ha i suoi retroscena di cui impari, ed è davvero una bella storia; temi e tutto il resto.
Haruka di GReeeeN
Un altro film basato su manga con un’eredità televisiva prestabilita, Rookies Graduation racconta la storia di redenzione perdente e sfortunata di un gruppo di giocatori di baseball disadattati e di un allenatore con la sua storia problematica. I ragazzi alla fine mettono insieme la maggior parte delle loro storie, si uniscono in una squadra vera e propria e lavorano per entrare nel torneo di baseball del liceo.
Rookies Graduation è un melodramma giapponese da manuale, che viene consegnato in modo più efficace con l’accompagnamento J-Pop appropriato – in questo caso il gruppo di grande successo ma anche acclamato dalla critica GReeeeN, insieme alla loro sigla Haruka.
Rookies the Movie fa gli straordinari per compiacere e lo stato di successo del film indica che i fan erano davvero soddisfatti. I non fan, tuttavia, potrebbero essere convinti solo in parte. Il sequel di un popolare dramma televisivo del 2008 basato su un manga popolare, Rookies continua la storia della squadra di baseball della Futakotamagawa High, un gruppo di delinquenti criminali che una volta furono sospesi per essere coinvolti in una massiccia rissa sul campo.
Tuttavia, come raccontato nel dramma televisivo, la squadra ha imparato a fidarsi del loro nuovo allenatore Koichi Kawato (Ryuta Sato dei Gachi Boy) e ha deciso di arrivare fino allo stadio Koshien, la sede del campionato annuale delle scuole superiori del Giappone.
Lungo la strada hanno imparato a conoscere la vita e l’amore, inoltre hanno esagerato e si sono commossi mentre parlavano dei loro sogni. Sì, proprio come ogni altro J-Drama sui delinquenti riformati.
Teppisti delle scuole superiori che piangono con i loro insegnanti: è praticamente il nostro genere. I personaggi non dialogano in Rookies – spiegano, e tutti apparentemente hanno la pazienza infinita di restare ad ascoltare. Il film racconta anche i suoi temi preferiti in dialoghi costantemente ripetuti, con i personaggi che parlano spesso di perseguire i propri sogni, sperando di vederli avverarsi.
Rookies presenta essenzialmente due metà con varie sottotrame intervallate dappertutto. Nel primo tempo, la squadra si prepara per la stagione da senior e la corsa a Koshien, con due nuove leve che fanno scalpore. Il favolosamente abile Akahoshi (Yusuke Yamamoto) è troppo arrogante per giocare bene con i suoi nuovi compagni di squadra, mentre Hamanaka (Takuya Ishida) è deluso dal fatto che il suo idolo, il giullare di squadra Hiratsuka (Kenta Kiritani), sia tutto chiacchiere e nessuna abilità.
Come previsto, sono all’altezza della situazione, anche se anche farlo non garantisce che vinceranno. Nonostante sia un film commerciale assecondante, Rookies spinge efficacemente i temi della sportività e del lavoro di squadra, in modo tale che si possa sentire di aver realizzato qualcosa indipendentemente dal risultato.
Lo sport porta Rookies oltre l’essere solo un film “per soli fan”, rendendolo accessibile a coloro che non hanno visto il dramma. Tuttavia, la familiarità con il dramma migliorerebbe l’esperienza visiva di circa il 9000 percento, altrimenti i riferimenti, i cameo significano molto meno. Ad un certo livello, è impossibile valutare male un sequel da TV a film a meno che non diverga completamente e totalmente dai temi e dal tono dell’originale.
Hanamizuki di Hitoto Yo
Unico omonimo finora nella nostra lista, Hanamizuki è in realtà ispirato dalla sua sigla preesistente con lo stesso titolo. Hanamizuki, la canzone, pubblicata per la prima volta nel 2004, è una ballata ampiamente celebrata di amore, perdita e desiderio, tutte facilmente prestabili alla storia di Sae e Kouhei, che inizia con un giovane amore a Hokkaido, svanisce in qualche modo tragicamente con il tempo e la distanza, alla fine si dissolve a causa di una tragedia imprevista, ma alla fine gli viene dato un barlume di speranza. Senza mezzi termini, e letteralmente dichiarato, queste due opere d’arte si adattano perfettamente.
Hanamizuki non è una tipica storia d’amore per giovani adulti. Certo inizia con il timido studente che incontra per caso la ragazza dall’altra parte dei binari, ma la brava ragazza Sae Hirasawa (Yui Aragaki) è quella che convince Kouhei Kiuchi (Toma Ikuta) a prendere le chiavi dal retro di un camion e aiutarla ad arrivare in tempo agli esami. Sebbene quell’idea finisca male per entrambi, segna l’inizio della loro relazione e un decennio di gioia, gelosia, opportunità perse e crescita personale.
Nonostante abbia una trama incredibilmente artificiosa che separa Sae e Kouhei e poi li riunisce più volte, Hanamizuki ha un senso di realismo. Sa che l’amore giovane raramente dura, soprattutto quando si mettono lunghe distanze nel mix.
A dispetto del proprio tema dell’amore destinato, il film mostra Sae estremamente felice con Junichi Kitami (Osamu Mukai), un fotografo senior che incontra al college e con cui finisce per andare in America. Junichi è un ragazzo così simpatico che la fine della sua relazione con Sae è straziante. I cinici possono criticarlo per essere troppo perfetto, ma è un esempio che una persona può innamorarsi più di una volta.
Al contrario, il matrimonio di Kouhei con Ritsuko Watanabe (Misako Renbutsu) è un disastro ferroviario cliché. Ovviamente si sta accontentando e, sebbene Ritsuko non sia raffigurato come un personaggio comprensivo, è difficile non sentirsi in colpa per la sua mancanza di una caratterizzazione decente. È stata relegata al ruolo stereotipato di amante gelosa e fonte dell’insoddisfazione di Kouhei. Il film enfatizza eccessivamente il fatto che Kouhei è intrappolato nella sua vita da pescatore in una piccola città, anche se era quello che aveva sognato di essere.
Per fortuna Toma Ikuta non diventa mai troppo triste o meschino. Ci sono momenti in cui Kouhei merita un bel schiaffo in faccia (e lo ottiene tramite i documenti per il divorzio), ma Ikuta è in grado di renderlo adorabile e qualcuno che matura con ogni nuova esperienza di vita. La vera star del film, però, è Yui Aragaki. Con Sae come il suo ultimo personaggio in età liceale, Hanamizuki riflette la sua maturità. Come Sae adulta, trasmette un senso di compostezza e mondanità oltre i suoi anni.
Proprio come la canzone su cui si basa, Hanamizuki potrebbe essere troppo sdolcinato per alcuni.
Tuttavia, presenta una visione seria di una relazione che abbraccia i dieci anni più tumultuosi della vita di una persona. Il finale lascia la relazione tra Kouhei e Sae alquanto ambigua, ma una scena dopo i titoli di coda fornisce quel tocco di calore che lo riunisce al punto di partenza.
Rain di Sekai no Owari
Oltre a una colonna sonora del famoso compositore Takatsugu Muramatsu, Mary and the Witch’s Flower presenta la canzone Rain di Sekai no Owari, un gruppo rock estremamente popolare famoso per la qualità sbalorditiva della produzione dei loro spettacoli dal vivo.
Il film d’animazione, basato su The Little Broomstick di Mary Stewart, è la storia semplice ma avvincente di una giovane ragazza di nome Mary (doppiata da Hana Sugisaki) che trova un fiore misterioso che può trasformarla in una strega, ma solo per una notte. Satoshi Fukase, il cantante e principale forza artistica dietro Sekai no Owari, è stato immediatamente ispirato dall’immaginario e dal messaggio del film: il risultato, una sigla anime composta su misura, rimane una delle tracce più importanti del 2017.
Mary and the Witch’s Flower è una sorta di miracolo. Indipendentemente dai suoi meriti come film, il fatto che esista anche in un momento così terribile per il cinema d’animazione è qualcosa che vale la pena celebrare.
Sono passati solo pochi anni, dall’agosto 2014, quando l’impareggiabile Studio Ghibli ha annunciato che stava rivalutando il proprio futuro sulla scia delle difficoltà finanziarie e del presunto ritiro di Hayao Miyazaki: la mossa sembrava confermare la paura collettiva che il mondo fosse più coerente brillante studio cinematografico è stato perso senza il narratore visionario responsabile di così tanto della sua produzione immortale.
Allora, la notizia sembrava un colpo potenzialmente fatale per l’animazione disegnata a mano, la resa finale di una guerra fredda iniziata con il fuoco amico (Pixar) e terminata con una vera e propria umiliazione (The Emoji Movie). Ma non tutto era perduto.
Lo Studio Ghibli è presto tornato in vita, co-producendo The Red Turtle di Michaël Dudok de Wit nel 2016. Miyazaki, irrequieto come sempre, si è impegnato in un altro lungometraggio. E ora, forse il più promettente di tutti, molti dei discepoli più talentuosi del leggendario regista hanno formato la propria compagnia e hanno iniziato a realizzare i propri film nella tradizione Ghibli.
Mary and the Witch’s Flower potrebbe non essere un grande film – a volte lotta solo per essere buono, ma è una prova di concetto convincente e questo potrebbe essere più importante a lungo termine. Diretto dall’ex Ghibli Hiromasa Yonebayashi (Quando c’era Marnie), il primo sforzo di Studio Ponoc sembra un’imitazione di fascia alta che è stata realizzata con le migliori intenzioni.
L’illusione è più completa durante la bellissima sequenza di apertura, che cattura la vitalità e il raro senso di avventura che attraversa i classici di Miyazaki come Il castello nel cielo. Una giovane ragazza con i capelli come un incendio boschivo scappa audacemente da un palazzo galleggiante di qualche tipo, schivando demoni gonfi e sfrecciando al chiaro di luna su una scopa magica. Ricca di più dettagli e meraviglie rispetto agli ultimi 10 anni di film Pixar messi insieme, questa scena è così piacevolmente artistica e viva che quasi non importa che sia stato fatto tutto prima. Semmai, il punto cruciale del suo fascino sta nella gioia di testimoniare qualcosa che forse non sarebbe mai più stato fatto.
Tuttavia, c’è una linea sottile tra omaggio e furto, e a Yonebayashi non sembra importare dove sia. Adattato dal libro per bambini di Mary Stewart del 1971 The Little Broomstick e prendendo liberamente in prestito dall’iconografia caratteristica di Ghibli, Mary and the Witch’s Flower è una creazione che ha raggiunto un suo obbiettivo.
ZenZenZen-Se di RADWIMPS
Il film Your Name acclamato dalla critica e diretto da Makoto Shinkai è diventato anche un enorme successo finanziario nel 2016/17, guadagnando ben oltre $ 350 milioni e salendo rapidamente al suo posto come l’anime con il maggior incasso di tutti i tempi. Una parte enorme del successo del film è stata la colonna sonora indipendente e la popolarissima sigla ZenZenZen-Se, composta dal gruppo rock RADWIMPS. Sorprendentemente, in poco più di un anno, il post ufficiale su YouTube della canzone ha oltre 150 milioni di visualizzazioni.
Lo stile di RADWIMPS si è rivelato la colonna sonora perfetta per questa storia innovativa di amicizia, giovane amore, proiezione astrale e cambio di corpo, una sorta di “viaggio spirituale nel tempo” e, più di ogni altra cosa, il destino.
È solo in Your Name, una malinconicamente adorabile storia giapponese sul destino e il tempo, che i suoi due personaggi adolescenti si incontrano. A quel punto, Mitsuha (una ragazza che desidera ardentemente lasciare la sua piccola città) e Taki (un ragazzo di Tokyo) si sono conosciuti. Per ragioni che non capiscono, la coscienza di ciascuno è stata temporaneamente saltata nel guscio fisico dell’altro, solo per tornare indietro. Questo accade di notte, il che significa che Mitsuha si sveglia regolarmente nel corpo di Taki e lui si sveglia nel suo, uno scambio che gli piace confermare accarezzando il suo (suo) seno.
Per quanto riguarda le carezze, è una scena quanto più pulita possibile, in parte perché Taki è un personaggio dell’anime, il che significa che c’è una qualità da cartone animato nel modo in cui i suoi enormi occhi simili a gioielli si allargano e come macchie rosse sbocciano sulle sue guance lisce.
Il bello di Your Name è che, come nei migliori film d’animazione, le sottili linee nere del design del personaggio si dissolvono invariabilmente e tutto ciò che resta sono Taki e Mitsuha, adolescenti completamente confusi.
C’è di più nella loro confusione di quanto possano immaginare, il che è comprensibile, date le complicate storie concepite dallo sceneggiatore e regista del film, Makoto Shinkai.
Your Name è una storia che “cambia corpo”, ma parla anche di tradizione e impermanenza, disastri e destini.
Nada Sou Sou (Tears for you) di Rimi Natsukawa
Tears for You è un’altra canzone ispirata alla sua sigla, in questo caso la hit del 2001 di Rimi Natsukawa Nada Sou Sou. Nel film, un fratello maggiore, Yotaro, e sua sorella minore, Kaoru, due fratelli che in realtà non sono consanguinei, si avvicinano gradualmente e sviluppano un legame familiare molto speciale.
Quando la tragedia colpisce Yotaro dopo anni di sostegno a Kaoru, riceve un regalo speciale da lui e scoppia in lacrime… e opportunamente, nel dialetto nativo di Rimi Natsukawa, “Nada Sou Sou” significa “lacrime che non possono smettere di scorrere”.
La canzone è ancora enormemente popolare in Giappone ed è uno dei brani con più cover di tutti i tempi.
È ovviamente un’idea soggettiva, ma alcuni registi affermano che le colonne sonore e il sound design dei film sono linguaggi in sé e per sé, degni di uno status quasi uguale a quello delle parole effettivamente pronunciate dai personaggi. Questo sembra particolarmente rilevante nell’industria cinematografica giapponese e scegliere, o, più comunemente in questi giorni, comporre una sigla efficace sta diventando importante quanto progettare buone scene e scrivere buoni dialoghi.
