Stephanie Cornfield, intervista alla fotografa che ha “catturato l’anima delle Stelle”

Di seguito vi proponiamo un’intervista con Stephanie Cornfield, un’artista moderna e fotografa ritrattista dei più grandi talenti del cinema e della musica. Stephanie Cornfield viene da Parigi, ed è francese di origini miste. Il cinema è nel suo DNA, dal momento che suo padre Hubert Cornfield era un regista. Suo nonno era il capo della 20th Century Fox per l’Europa e il Medio Oriente e il suo bisnonno è stato uno dei pionieri del cinema in Europa centrale.

Stephanie Cornfield è una fotografa ritrattista che lavora nel cinema, si occupa principalmente sedute private ma lavora anche sul set. Generalmente viene assunta per fare quelli che definiscono Specials, lavorando con uno stile libero dove ha una totale libertà creativa.

Per prima cosa ha fotografato la scena underground, aveva spazio su articoli mensili sulle riviste, quindi ha fatto la vita notturna di Parigi, Londra e New York.

Poi è diventata una ritrattista delle rock star, ha lavorato per quattro anni come fotografa per una famosa rivista rock francese chiamata Best, ha anche avuto un incontro speciale con Iggy Pop. Poi è tornata al cinema, il suo amore originario.

Sebbene abbia anche una continua collaborazione con il Los Angeles Times, le sue fotografie sono apparse anche in pubblicazioni internazionali come The Guardian, The Bund, Premiere USA, Le Monde, Le Soir, Le Nouvel Observateur, Elle Studio Magazine, Les Cahiers du Cinema, Telerama, Paris Match, El Pais, rivista Vima, Der Tagesspiegel. Ha esposto i suoi lavori a Sion (Svizzera) per la mostra Nomadic Mirrors sostenuta e concepita dalla Fondazione Fellini Sion.

Si è chiuso il cerchio quando il governo tedesco ha fornito i mezzi per il progetto Beyond the Imaginary Line a una parigina il cui nonno una volta fuggì dai nazisti. Un ebreo russo-rumeno sposato con una greca-ortodossa, che viveva nella comunità di immigrati di Istanbul, ed è arrivato negli Stati Uniti nel 1941. Ha cambiato nome e, alla fine, è diventato presidente dello studio cinematografico americano 20th Century Fox (per Europa e Medio Oriente), ma ha lasciato gli Stati Uniti in seguito.

Suo padre è stato un pioniere del cinema nell’Europa orientale. Lo zio di Stephanie, Bernard Cornfeld (che ha mantenuto il cognome originale) era un famoso finanziere/impresario e padre Hubert Cornfield, un regista di Hollywood. “Ciò che ha salvato mio nonno è stato che parlava correntemente il tedesco”, afferma Cornfield.

Stéphane Marti, Presidente della Fondazione Fellini ha detto su di lei:

Stéphanie ha l’istinto dei grandi fotografi che non solo catturano questa rara congiunzione di il momento, il luogo e la luce, ma anche questa disposizione della persona che dà senso alla realtà, quello che Bonnefoy definisce lo stato di presenza e condivisione.

Suo padre ha lavorato con grandi nomi: Sidney Poitier e il cantante Bobby Darin in Pressure Point (1962) e Marlon Brando in The Night of the Following Day (1969). Cornfield aveva solo sei anni quando i suoi genitori divorziarono e 10 quando suo padre tornò negli Stati Uniti. Suo padre aveva tre migliori amici: Jack Nicholson, Warren Beatty e James Dean. Ecco cosa ci ha raccontato Stephanie Cornfield nella nostra intervista.

Bentrovata Stephanie Cornfield e piacere conoscerti. Una delle prime domande che mi viene spontanea da farti è: da chi hai tratto aspirazione durante la tua carriera?

Penso a tutta l’arte visiva che mi ha influenzato, come la coreografa Philippine “Pina” Bausch con il suo stile surrealista espressionista unico, ispirando grandi come David Bowie o Pedro Almodovar. Alcuni registi mi ispirano molto, Mikhail Kalatozov per Soy Cuba, Sergio Leone per C’era una volta in America, Wong Kar Wai per Happy Together, Days of being Wild, Chungking Express, Barbara Loden per Wanda, Monte Hellman per Two Lane Black Top, Ridley Scott per Blade Runner, Orson Welles per Citizen Kane, Jean Renoir per La Chienne, Darren Aronofsky per Requiem for a dream.

Ma non solo, Brian de Palma per Scarface, Francis Ford Coppola per Il Padrino, Marcel Carne per Les Enfants du Paradis, Scorsese per Mean Streets, Taxi Driver, Raging Bull, Spike Lee per Fai la cosa giusta, Pedro Almodovar per Matador, Kubrick per 2001 Space Odyssey, Arancia Meccanica, The Shining, Aki Kaurismaki per L’uomo senza passato, Victor Erice per El Sur, Michelangelo Antonioni per La Notte.

Anche mio padre mi ha ispirato, perché era un grande regista che riusciva a trasportare il pubblico in un’altra dimensione. Architetti come Ludwig Mies van der Rohe per il suo stile Less is more minimalist. Andre Courrèges era un affascinante stilista francese. Era particolarmente noto per i suoi design aerodinamici degli anni ’60 influenzati dal modernismo e dal futurismo, sfruttando la tecnologia moderna e nuovi tessuti. Pittori come René Magritte, Amedeo Modigliani, Rembrandt, Egon Schiele.

Volevo essere una giornalista di guerra e ho studiato scienze politiche in un’università americana, ho preso la fotografia come classe aggiuntiva. All’epoca avevo un ragazzo che lavorava per le notizie della CBS, mi sono unita a lui durante la guerra del Golfo, quindi ho visto molto da vicino di cosa si trattava e ho pensato di non essere abbastanza forte psicologicamente per farlo. Ero sempre più attratta dall’arte e stavo progettando di fare un master in una scuola di cinema a Los Angeles, poi è successo un dramma nella mia vita, quindi ho pensato ok, perché non la fotografia, posso iniziare domani, quindi ho iniziato a fotografare per caso. Ho scelto l’arte perché è un mezzo per sfuggire alla vita ordinaria, per trascendere la vita.

Ci puoi parlare del tuo ultimo progetto e della mostra che si terrà a Parigi? So che sei un’artista che ama vedere oltre e che vive l’arte come una responsabilità sociale, ci puoi illustrare cosa significa per te?

Gli artisti hanno la responsabilità sociale di evitare abusi, sfruttamento o oppressione di individui o gruppi, se faccio foto a un funerale in India mi assicuro che sia rispettoso, non osceno o volgare. Posso aggiungere qui una foto che ho scattato a un funerale a Varanasi che potrebbe essere controversa in quanto alcune persone non capiranno perché scattare una foto a una persona deceduta e la considererebbero irrispettosa. L’ho scattata perché l’intera immagine trasmetteva una sensazione di pace poiché la morte fa parte delle nostre vite, la vita è un’iniziazione alla morte e la morte nella religione indù è percepita come la liberazione dell’anima.

Ho concepito con la Fonazione Fellini per la prima volta Nomadic Mirrors a Sion in Svizzera nel 2014, con il titolo Nomadic Mirrors ed è stata esposta al Centro Culturale della Fondazione Fellini, adesso la mostra è attualmente esposta a Parigi al cinema l’Atalante. Ho recentemente esposto a Berlino presso la galleria Z22 in una collettiva “The Female Side of the Moon” e nella stessa galleria la mia mostra personale “Beyond the Imaginary Line”. Ho ricevuto il premio per la migliore fotografia alla Mostra del Cinema di Venezia nel 2011 e sono stata selezionata come Eye of the Photographer al Festival di Cannes nel 2014.

Non ho paura, sono felice di vivere e amare la mia vita in ogni caso, anche nella parte più oscura della mia vita ho una forte vitalità e questo mi ha aiutato molto. Pensare positivo. Sono un combattente e combatterò qualsiasi ostacolo incontrerò, combatterò fino alla fine per la mia sopravvivenza. In questo periodo di reclusione è difficile raggiungere le persone, tutti hanno a che fare con la propria coscienza, a volte preferiscono tacere piuttosto che avere voci vuote, rinchiudersi. Rispetta lo spazio, la privacy, sii compassionevole.

Essere un artista internazionale freelance ed essere in lockdown è dura, nel senso che normalmente ci prendiamo cura delle nostre cose, proiettandoci, ora proiettiamo nella sfocatura. Interrogandoci su quali progetti riusciremo a portare avanti, a volte a discapito della nostra vita personale. Vivere nella confusione sarà la nuova norma.

Quando si è giovani si pensa di avere tutto il tempo del mondo ma non è così. La vita passa veloce ed è importante rendersi conto che non si avrà il tempo di fare tutto. L’anno scorso per me è passato molto veloce per il mio progetto fotografico in India ho preso il Coronavirus e mi è andata bene perché sono rimasta isolata solo undici giorni ma ero l’unica persona occidentale in quell’hotel, è stata una bella prova per me.

L’artista ha una responsabilità sociale in quanto deve agire moralmente, ma a volte c’è una linea sottile tra ritrarre qualcosa e abusarne come entrare in uno spazio personale e l’artista ha anche la responsabilità di correre il rischio di agire per fornire un discorso artistico libero, per così dire e come catturare l’anima delle stelle.

Cosa rende speciale la tua arte? Di cosa si tratta, quali sono i temi centrali del tuo lavoro?

Quando faccio un ritratto, lo vedo per la maggior parte del tempo come un paesaggio e penserò ai colori come se fosse un dipinto. Cercherò di catturare l’essenza dell’artista che fotografo o dell’anonimo nella mia cornice. Ritratti di artisti nell’intrattenimento o ritratti di volti selezionati che abbracciano culture diverse. Per il mio ultimo progetto mi sono recata ad Haridwar per fotografare il Maha Kumbh, il più grande raduno di indù, devoti e sadhu che si tiene ogni 12 anni. È la cosa più folle che abbia fatto, anche se presumo che saranno in atto misure sanitarie, ma dato che siamo nel mezzo di una pandemia, in questo senso è stata una vera avventura.

Nasci con determinate prerogative come fotografo quello che si chiama avere un buon occhio, un istintivo senso compositivo, ma la pratica, il duro lavoro, la forte volontà, tendono ad esaltare le capacità originali. La chiave è esercitarsi. Studiare arte è un lusso che alcune persone non possono permettersi né per il tempo impiegato né per motivi economici. Sono un autodidatta, credo nell’autoapprendimento, puoi prendere poche lezioni e iniziare da lì. Essere un assistente può anche essere positivo se inizi in giovane età.

Quale aspetto della tua fotografia hai potuto esprimere in India e quale nei tuoi primi lavori?

Le persone sono in vecchie prigioni mentali da cui non sembrano in grado di uscire. Trovo angosciante vedere situazioni come quella a cui ho assistito in India negli otto anni in cui ho vissuto lì, con queste profonde differenze religiose che influenzano la vita intima della maggior parte delle persone, notare il mantenimento dei matrimoni combinati, il fatto di non avere rapporti sessuali prima del matrimonio, cose molto di vecchio stampo che continuano a reprimere le persone, a frustrarle. Sacrificare l’intimità a vantaggio di un accordo tra comunità.

Nel momento in cui il nostro sé interiore si rimpicciolisce, sentendosi congestionato in uno spazio limitato, questa sensazione del nostro sé interiore che si restringe è esacerbata. Mentre siamo liberi pensiamo di dominare lo spazio e il tempo, sentendo il potere ultimo della vita, delle infinite possibilità. Il nostro io interiore irradia allora del suo potere supremo. Lavorare sul nostro io interiore sembra la chiave, il dialogo interiore sembra il dialogo della verità ma il più difficile da perseguire. Quando ho fotografato personalità forti ho sentito un dialogo su più piani, non solo quello esteriore.

Le mostre in galleria che tipo di ruolo hanno per te? Ci racconti qualcosa della tua mostra Beyond the Imaginary Line?

Le gallerie sono importanti per mantenere viva l’arte e creare interazioni con le persone. Lo rende molto più interessante della comunicazione virtuale e della visualizzazione virtuale. Entrambi sono interessanti, ma è un grande risultato e un onore per un artista essere esposto in qualche buona galleria d’arte in tutto il mondo.

In una notte nebbiosa, un uomo, voltandoci le spalle, guarda alla sua destra il fiume Gange. Alla sua sinistra giace un defunto, in attesa di un santo bagno prima della cremazione. Questa immagine, intitolata Before the After, è tra le 26 fotografie parte della mostra “Beyond the Imaginary Line”.

Gli strati di significati emergono gradualmente. La persona potremmo essere noi, lo spettatore: un viaggiatore, in piedi sui marciapiedi simili a una ferrovia di un ghat, nel suo viaggio dall’altra parte, davanti a noi ci sono apparizioni nella nebbia. Mi piace dipingere con la mia macchina fotografica – in condizioni di scarsa illuminazione, l’enigma della notte. I personaggi sembrano svanire come fantasmi, alla deriva, inquadrature fisse di donne o sadhu (uomini divinità) in movimento. Giochi di luci e ombre sui corpi dei naga sadhu.

Misterioso, magico, cinematografico come Rembrandt e Caravaggio, per me l’estetica dell’oscuro, il mistico è un’attrazione inevitabile. Queste immagini sono un allontanamento dai soliti ritratti di celebrità. Ho portato il mio obiettivo a Magh Mela a Prayagraj a gennaio, ai cremation ghats di Varanasi e poi per Maha Shivaratri ad Haridwar, dove, nonostante le precauzioni, ho contratto il COVID-19.

Il mio biglietto d’ingresso: vestirmi come loro – tutta arancione, dal kurta alla sua maschera. Essere nel ritrovo straordinario è stata un’esperienza sorprendente, vedere il rituale, sentire l’atmosfera, ascoltare suoni di trance. Non era facile, essere alieni e soli, cercare di evitare fughe precipitose, farsi largo tra la folla. La vita indiana e gli uomini-dio con i dreadlocks continuano a esercitare un fascino particolare per lo sguardo occidentale. Io sono spirituale, non religiosa. Tutte queste guerre nel mondo, le divisioni etniche, le terribili tragedie sono dovute alla religione.

Sono attratta dall’energia grezza e vibrante delle persone e ipnotizzata dalla bellezza dell’India: fotogenica, cinematografica, luce straordinaria e natura avventurosa, tutto può succedere. Una volta che lo assaggi, è difficile farne a meno.

 

Se volete seguire questa artista e scoprire molto di più sulle sue foto e il suo lavoro questo è il suo profilo IG ufficiale: https://www.instagram.com/nomadic_mirrors/