Vi vogliamo regalare qualche estratto della mostra di Pedro Almodóvar in cui il regista espone le sue fotografie in “Vida detenida & Waiting for the light” presso la Fondazione Fellini di Sion. La mostra sarà aperta al pubblico dal 25 settembre al 1 gennaio 2022. Nelle parole di Pedro Almodóvar riguardo la sua fotografia:
Da quando ho iniziato la mia breve vita di fotografo, ho sempre cercato di imitare la pittura, e non la fotografia, senza ricorrere a nessuna tecnica particolare, se non aspettare che la luce passasse dalle finestre. Il mio unico compito era aspettare il momento esatto, che varia a seconda della stagione e che a volte richiede qualche minuto.
In Waiting for the Light, la sua prima mostra personale in galleria, il regista spagnolo Pedro Almodóvar ha presentato ventiquattro fotografie nitide (tutte del 2018 o del 2019) di luccicanti vasi di vetro o ceramica posti contro un muro grigio e dai colori vivaci e monocromatici. Queste nature morte condividono l’aspetto colorato e pop-art degli acclamati film del regista, come Donne sull’orlo di una crisi di nervi (1988), Parla con lei (2002) e Volver (2006), ma anche, con i loro densi dettagli della superficie, ricordano i dipinti fotorealistici di artisti come Charles Bell e Roberto Bernardi, così come le nature morte Precisionist di Claudio Bravo.
Almodóvar si riferisce direttamente alla storia della pittura in diverse opere, tra cui Omaggio a Zurbarán, A Morandi e Las Meninas.
Quest’ultima foto mostra – su un tavolo color chartreuse e su uno sfondo turchese – un unico vaso dal fondo pesante che richiama le gonne a cerchio indossate dalla principessa e dai suoi attendenti nel capolavoro di Diego Velázquez, Las Meninas (1656) e che contiene un crisantemo il cui fiore giallo appassito evoca i capelli biondi della principessa.
Gli oggetti in tutte le fotografie, infatti, suggeriscono personaggi di sorta. La goffa tazza rossa che contiene a malapena un mazzo di fiori in decomposizione in Untitled I si legge come un disadattato indisciplinato, in particolare se confrontata con il vaso rosso dall’aspetto piuttosto aristocratico che sfoggia un fiore fresco e orgoglioso in Vaso rosso con crisantemo rosa. Il pesante vaso in cristallo tagliato e il sinuoso pezzo in vetro soffiato che si staglia su uno sfondo di strisce verticali in Multiple Background 2 suggeriscono una strana coppia in una produzione teatrale, mentre i sei vasi di vetro di varie forme in A Chorus Line evocano una versione particolarmente disordinata dell’ensemble di danza del film.
Almodóvar ha scattato le fotografie nella sua casa usando solo la luce naturale e, come suggerisce il titolo della mostra, ha aspettato fino al momento giusto. Questo processo ha senza dubbio richiesto molto tempo e pazienza e parla delle abilità che ha affinato nei suoi decenni come regista.
Sottolineando ulteriormente il rapporto tra le nature morte e il suo cinema, Almodóvar ha mostrato diverse foto che ha scattato sul set del film Dolore e gloria, che riguarda un regista anziano (interpretato da Antonio Banderas) che si riunisce brevemente con un amante della sua giovinezza (nella clip da YouTube di seguito potete coglierne alcuni dettagli)
È una storia intima e semiautobiografica piena di arguzia visiva. Almodóvar ha offerto qualcosa di simile in Waiting for light, usando oggetti della sua casa per creare drammi avvincenti di luce, colore e forma che suggeriscono vari aspetti della vita, dall’assurdo alla malinconia, all’ispirazione.
Nicolas Rouiller, Curatore della mostra lo ha definito:
Regista dall’estetica barocca e colorata, autore di capolavori emblematici della Movida madrilena, Il labirinto delle passioni (1982) o Donne sull’orlo di una crisi di nervi (1988), Pedro Almodóvar non ha mai smesso di mettere in scena da più di 40 anni una Spagna colorata alla ricerca della sua identità, sociale e politica. Negli ultimi anni, il regista spagnolo con molteplici premi internazionali si è dedicato anche ad altre forme artistiche come la fotografia e la pittura. Per questa mostra, Pedro Almodóvar presenta, per la prima volta in Svizzera, una selezione delle sue opere fotografiche originali riunite in due progetti artistici: Vida detenida e Waiting for the Light (Aspettando la luce).
Come abbiamo accennato, il regista rende omaggio diretto a Morandi e Velázquez nei titoli di queste opere, ma ci sono anche accenni alle nature morte della surrealista spagnola Maruja Mallo, una delle preferite di Almodóvar.
In effetti, la storia dell’arte spagnola – e in particolare il movimento figurativo postfranchista che lui chiama il “periodo nudo” – è un tema centrale di Dolore e gloria, che, come accennato, parla di un regista che ormai vive solo in compagnia della sua collezione d’arte.
Le parole del Presidente della Fondazione Fellini, Stéphane Marti, in merito alla mostra:
Nell’era della smaterializzazione e della proliferazione delle immagini – 100 milioni di nuove immagini raggiungono ogni giorno i social network – il lavoro di Pedro Almodovar è una riappropriazione di ciò che ha senso nella visione della realtà. Se le composizioni si riferiscono inizialmente al genere della natura morta, tuttavia lo trasgrediscono ampiamente. Giocando su un’arbitraria conciliazione tra i materiali, le densità degli oggetti, le loro cromaticità e le loro origini – oggetti inerti vs elementi della natura – le immagini formano serie e diventano materia di storie e sogni, metafore, simboli. Questa maestria nell’estrarre l’estraneità dal reale per rendercela familiare è infatti un processo contemplativo, proprio quello che si trova in composizioni molto più antiche, si pensi a Juan Sanchez Cotan oa Francisco de Zurbaran. Tuttavia, a differenza dei dipinti di Fernando Zobel dove va in scena il dramma della dissoluzione delle cose, le fotografie di Pedro Almodovar hanno una densità che esprime questa imminenza di una rivelazione sospesa in un istante, cronache di satori che coniugano poesia e umorismo.
A proposito della sua fotografia Pedro Almodóvar ha raccontato come ha iniziato:
Per iniziare a scattare foto a casa e perché la pratica ti afferri, è necessario sentirsi soli. È solo in momenti come questo che riesci ad applicarti ad osservare la luce che entra dalla finestra della tua cucina e lo spettacolo che ti assorbe al punto da afferrare una macchina fotografica e cercare di catturare quel momento e la sua luce.
All’inizio era un vaso di cristallo e un Aleur. Qualche mese prima mi ero innamorato di un quadro di Isabel Quintanilla, parte di una mostra collettiva dei Realisti di Madrid, con un vaso di cristallo e un Aleur. Questo piccolo dipinto irradiava tanta emozione.
Le nature morte sono una forma di altare pagano che venera e adora gli oggetti. Le offerte vengono poste sul bancone e cominciano esse stesse a suggerire colori e forme con cui si intonano.
Questo è pop: esaltare gli elementi quotidiani con cui viviamo e che hanno una funzione pratica a livello artistico.
La natura morta classica eleva qualcosa di banale, come i cibi che mangeremo e berremo, a un livello artistico. Anche le odalische nude, in questo senso, sono anche nature morte. Gli oggetti sono sempre vivi, e così anche la luce, nel senso che sono sensibili allo scorrere del tempo. Queste foto non sono post-prodotte, interessa ritrarre il fatto di essere vigili e catturare l’emozione del momento. Il suo primo tema sono state le nature morte, aggiungendo alcuni oggetti ai tipici frutti, fiori e vasi. A quel tempo, l’origine della sua ispirazione era la generazione di pittori iperrealisti di Madrid, Antonio López in particolare. Ha apprezzato tutte le varianti offerte da un vaso e un fiore, ha scoperto la perfezione delle uova, delle mele, dei pomodori e dei melograni, e anche dei kiwi.
Per diverse settimane, il regista ha studiato l’impatto della luce (generalmente dalle 13:00 alle 16:00, a seconda della stagione) sugli oggetti che aveva raccolto in una sorta di piccolo altare sul bancone della cucina. Durante l’autunno la luce della cucina (sebbene provenisse dalla finestra, non è una luce diretta, rimbalza sulle pareti di un patio interno) era oscurata, così ha iniziato a usare come decorazione un tavolino in legno che riceveva la luce direttamente da una grande finestra che si affacciava su un parco. Ha abbandonato i piccoli altari che apparivano nelle nature morte e si è concentrato su vasi, fiori e orci.
Sono sempre stato commosso da Morandi. Nelle foto di bottiglie di diverso genere e colore c’è una chiara allusione alla sua pittura. Lo scorso inverno ho iniziato ad annoiarmi con questa superficie in legno del tavolino che serviva come base per le foto e anche con il colore della parete. Ho fatto ridipingere la parete in un altro colore e ho fatto realizzare e dipingere diverse assi di legno in diversi colori per metterle come base sul tavolino. Cinque colori in tutto. I fiori delle sessioni precedenti si stavano seccando ma ho continuato a usarli. Mi sono accorto che, perdendo freschezza, diventavano più versatili e si fotografavano meglio. Senza volerlo, ho fotografato il passare del tempo, nella luce e nei fiori. Qualcosa di così semplice mi ha riempito di gioia e mi ha davvero emozionato.
Almodóvar si descrive come un “artista multi-frustrato”, qualcosa che vede come positivo quando si tratta di andare avanti con il suo lavoro diurno.
Per essere un buon regista devi essere un artista frustrato, un pittore frustrato, un decoratore frustrato, un architetto frustrato, un sex symbol frustrato, un attore frustrato. Essere tutte queste cose ti rende sensibile a tutte le decisioni che devi prendere per essere un buon regista.
Per maggiori informazioni sulla mostra potete consultare: http://www.fondation-fellini.ch/en/expositions/maison-du-diable/560
