Che lo vogliamo o no, la pandemia ha portato praticamente quasi tutti a buttarsi sulla visione di film online, in questo nuovo contesto diversi siti di streaming hanno risposto con nuovi livelli di programmazione ambiziosa. Tra i più cospicui troviamo Mubi sta facendo notevoli progressi per portare una scelta molto interessante al pubblico più difficile da accontentare, quello che cerca film d’autore rari e poco conosciuti.
Prossimamente, ad esempio, sarà disponibile About Some Meaningless Events, un capolavoro quasi perduto del cinema politico marocchino che per decenni era stato del tutto indisponibile.
Le selezioni di Mubi raccolgono alcuni dei migliori film usciti di recente e classici difficili da trovare, sia americani che internazionali, inclusi alcuni capolavori eccessivamente oscuri di cui diventerete dei grandi fan.
Quindi abbiamo selezionato per voi 10 capolavori del cinema d’autore che sono o saranno disponibili in streaming su Mubi, alcuni di loro saranno disponibili nei prossimi mesi.
L’Albero, il Sindaco e la Mediateca
Éric Rohmer è forse il grande cineasta più frainteso: lungi dall’essere un semplice affascinante cronista di intellettuali innamorati, rivela che cultura e ragione sono superfici opache che tengono a bada la passione violenta invisibilmente.
Vale a dire, è un filosofo del cinema e, sebbene i suoi film siano intensamente psicologici, hanno anche una sorprendente dimensione sociale e persino politica, che è esposta in modo più chiaro e audace in questo film del 1993.
Si può considerare uno dei suoi due più grandi film (appena dietro The Green Ray, alias Summer); arriverà su mubi in autunno. È ambientato in un piccolo paese di provincia, dove un insegnante locale (interpretato dal mago dialettico Fabrice Luchini, una sorta di alter ego di Rohmer) sfida il sindaco locale, un socialista che spera di migliorare e modernizzare la città costruendo una médiathèque, o biblioteca multimediale, su un appezzamento di terreno brullo ornato da un vecchio albero che il maestro ama.
Il governo nazionale è coinvolto, così come un giornalista di una rivista di sinistra, un romanziere parigino, le figlie del sindaco e del suo avversario, e anche un anziano filosofo (interpretato dal vero filosofo di destra Jean Parvulesco, il cui nome gli spettatori possono riconoscere da “Breathless”).
Come per la maggior parte dei film di Rohmer, l’azione ruota su incidenti che si trasformano in una sorta di destino e, qui, quel destino non è solo personale.
Rohmer propone il paradosso di un radicalismo estetico, un fanatismo sulla bellezza e sulla natura che rivela l’ideale autentico della cultura e del progresso sociale.
Una meravigliosa sequenza musicale conclusiva presenta una visione sorprendente, allora futuristica e ora comune, del lavoro a distanza, dei lavori urbani in mezzo ai piaceri rurali. Il raro primo lungometraggio di Rohmer, The Sign of Leo, un’altra visione della vita appesa ai fili del caso, è attualmente sul sito.
Malina
Uno dei grandi adattamenti letterari moderni, il dramma di Werner Schroeter del 1992 è anche uno dei grandi film su uno scrittore. È basato sull’omonimo romanzo quasi autobiografico della fulminea scrittrice austriaca Ingeborg Bachmann, e adattato dalla scrittrice austriaca Elfriede Jelinek (una vincitrice del premio Nobel, nota soprattutto per l’adattamento di un altro regista, la versione di Michael Haneke del suo romanzo).
La protagonista Isabelle Huppert nei panni di una scrittrice che vive in uno stato di caotica furia creativa e tensione romantica. Ha un amante di lunga data, un burocrate che gestisce ufficiosamente la sua carriera, e prende un altro amante, un giovane paterfamilias, mentre disperde il suo genio letterario in lettere inviate e non inviate, interviste consegnate a giornalisti incomprensibili e una frenesia impulsiva della vita quotidiana che è essa stessa un’opera d’arte sbalorditiva e autodistruttiva.
L’arte letteraria della sceneggiatura e della storia è eguagliata dalla performance di Huppert, che è allo stesso tempo selvaggiamente fervente e agghiacciantemente lucida, e dall’esibizione di stile di Schroeter: angoli inflessi urlanti, striature luride di colore e una scena di fuoco che si trasforma in un simbolismo allucinatorio in una minaccia terribilmente realistica.
Atlantics
Si può ragionare a lungo sul fatto che i grandi registi potessero essere rivelati nella loro prima immagine, e il primo film di Mati Diop, un cortometraggio, del 2009, che fornisce l’essenza, nei contenuti e nel tono, del suo straordinario primo lungometraggio con lo stesso nome, fa esattamente questa cosa.
Un paio di ingranaggi stanno girando, in primo piano estremo, in un buio granuloso illuminato dal bagliore pallido e ritmico di una luce che lampeggia regolarmente; mentre si voltano, una voce graffiata racconta, in wolof, i pericoli ei terrori di una traversata oceanica in piroga. L’immagine è apparentemente quella di un registratore e il resto del film di quindici minuti, pieno di discorsi commoventi e potenti insieme a composizioni acutamente strutturate e ritratti drammatici nitidi, opera a un livello simile di ispirazione immaginativa.
È la storia di un giovane senegalese di nome Serigne (interpretata da Serigne Seck) che è disoccupata, senza un soldo e impaziente di intraprendere un pericoloso viaggio oceanico clandestino per raggiungere la Spagna; i suoi amici (che interpretano anche loro stessi), consapevoli del pericolo, tentano di dissuaderla.
La breve durata del film contiene l’esperienza personale, la politica investigativa, una dimensione soprannaturale e l’immagine misteriosa e culminante di un faro che scruta l’oceano, che ha un potente potere simbolico.
La versione caratteristica di Diop è uno dei debutti più impressionanti degli ultimi anni, e i suoi piaceri e le sue meraviglie sono intensificati conoscendo le sue idee alla fonte.
Voci lontane… sempre presenti
Il primo lungometraggio di Terence Davies, del 1988, è un’emozionante fusione di generi: una fantasticheria autobiografica che riporta vividamente alla luce gli umori e i toni della Liverpool del dopoguerra, una visione spaventosamente dura della vita sotto la minaccia della rabbia violenta di un padre violento, e anche un musical virtuale che, senza alcun numero di produzione, cattura i ricordi inquietanti dell’educazione estetica fondamentale di Davies.
È una storia di famiglia, in cui un fratello e due sorelle, la loro madre devota e terrorizzata, più la loro vasta rete di parenti e vicini ascoltano dischi e radio, guardano film musicali e, soprattutto, cantano e Davies, i cui modi è allo stesso tempo delicatamente squisito ed esaltato senza fiato,
filma gli spontanei giri di canzoni alle grandi feste e agli incontri casuali con un’ammirazione rapita per l’energia creativa che ha dotato le lotte quotidiane di una bellezza piena di speranza.
Il padre è interpretato da Pete Postlethwaite con un potere sbalorditivo.
Les Coquillettes (già in catalogo)
Sophie Letourneur, la regista più mumblecore di Francia, combina i riff sciolti di tre giovani donne parigine (che usano tutte il loro vero nome e una delle quali è interpretata dalla stessa Letourneur) con flashback sui loro ricordi contrastanti di ciò che è accaduto la precedente estate al Locarno Film Festival (dove era stato proiettato il cortometraggio di vita reale di Letourneur “The Shady Sailor”).
In effetti, Les Coquillettes, del 2012, fonde le pratiche incentrate sul business di Andrew Bujalski e il gioco di memoria di Alain Resnais insieme a una vertiginosa infusione di documentari che è interamente personale di Letourneur.
Le scene del festival presentano l’esibizione di un critico cinematografico e cameo di una vasta gamma di notabili dell’industria cinematografica, incluso l’attore Louis Garrel, dal quale il personaggio di Sophie è ossessionato.
Il titolo si riferisce ai maccheroni che le donne mangiano mentre ricordano, ed è solo una delle tante voci nel vocabolario idiosincratico di cui Letourneur conferisce l’attenzione stravagante e a ruota libera dei personaggi per le serie questioni di amore, sesso e ambizione. Anche l’ultimo film di Letourneur, “Enormous”, del 2020, con due star del cinema francesi che interagiscono con un ampio cast di medici, ostetriche e altri professionisti della vita reale, è in streaming sul sito.
Spring Night Summer Night
Il cinema indipendente americano è ossessionato dalle sue perdite e quasi perdite. Il primo lungometraggio di Joseph L. Anderson, del 1967, ha subito un destino crudele: doveva essere proiettato al New York Film Festival nel 1968, è stato tardivamente rimosso per fare spazio al film Faces di John Cassavetes, non è stato distribuito e poi è stato tagliato e distribuito con un titolo diverso come film di sfruttamento, da riscoprire nella sua forma originale solo decenni dopo.
Il film è una miscela di intimo realismo locale e simbolismo intriso di miti;
è ambientato nell’Ohio rurale, in una città che sta lottando economicamente a causa del declino dell’attività mineraria, ed è incentrato su una giovane donna che rimane incinta del figlio del fratellastro.
La storia è costruita sui ricordi degli anziani degli anni del boom della città durante la seconda guerra mondiale, sui pettegolezzi dei cittadini, sulla straziante minaccia della guerra del Vietnam e su uno stato d’animo di stili di vita consolidati da tempo che vengono fatti a pezzi per il cuciture. Girato in bianco e nero, con una cinematografia che spazia dall’urgente osservazione all’assolutamente astratto, Anderson coglie la forza storica generale delle passioni private. Il suo secondo lungometraggio, “America First”, del 1972, descritto come una metafiction sulla realizzazione di un documentario, per quanto ne sappiamo, non è stato affatto distribuito.
Claire’s Camera
È tra i segni del progresso nell’acume critico e nella programmazione d’autore che il regista sudcoreano Hong Sang-soo, che è stato tra i registi più prolifici del secolo, è diventato un classico moderno in quanto il suo metodo è una rifrazione esemplare del classico stile del cinema moderno.
Il suo senso della storia è anche un senso della forma e le sue numerose scene di dialoghi estesi capovolgono il realismo con le loro implicazioni di vasta portata.
È anche uno dei registi moderni più internazionali, con un attaccamento particolare alla Francia e al cinema francese, che gli fornisce un punto di vista pronto per criticare la cultura e i costumi coreani.
Questo dramma del 2017, con la seconda collaborazione di Hong con Isabelle Huppert, è ambientato al Festival di Cannes e nei dintorni ed è incentrato su una donna coreana di nome Manhee (interpretata da Kim Min-hee, la partner di Hong), che sta lavorando con una compagnia coreana lì finché non viene licenziata all’improvviso.
Vagando per la città, Manhee incontra un insegnante di francese e una fotografa amatoriale (Huppert), e la loro rapida amicizia provoca flashback in cui Manhee riflette sul suo licenziamento e sulla sua relazione con un regista coreano che ha un film al festival.
L’azione vivacemente intricata avvolge molteplici livelli di tempo e molteplici prospettive in lunghe scene di dialogo e nelle foto Polaroid di Claire; il potere e lo status di chiacchiere e immagini trovano un allenamento teorico nel corso struggente del legame tra le due donne e della confusione personale e professionale della protagonista.
Butter on the Latch
Il primo lungometraggio di Josephine Decker, è uno sballo cinematografico da cui non vi riprenderete facilmente. È un dramma di fuga da Brooklyn, in cui una giovane donna sull’orlo di un esaurimento nervoso fugge in un campo artistico balcanico nella California rurale e lì incontra un’amica, un’altra donna che diventa la sua confidente e poi, quando un uomo la sorprende, diventa il suo rivale romantico.
Il racconto di lussuria e rabbia, complicità e conflitto, è animato dalla musica e dalla danza che studiano ed eseguono, ed è perseguitato dalla forza divoratrice della natura in cui è ambientato il campo e la loro rivalità.
Con la direttrice della fotografia Ashley Connor (la cui collaborazione con Decker è tra le più fruttuose degli ultimi anni), Decker piega e distrugge la natura stessa dell’immagine con guizzi, movimenti pittorici e manipolazioni della messa a fuoco. L’emozione furiosa trova espressione nella performance, nei dialoghi, nell’azione drammatica e nelle turbolente trame visive e sonore del film; è tra i più coinvolgenti sensoriali e stimolanti di tutti i film.
Fake it so Real
Robert Greene, il teorico capo della saggistica, ha diretto questo documentario del 2012 su un gruppo di lottatori professionisti della Carolina del Nord che stanno cercando di stabilire e rendere un campionato indipendente il successo.
L’essenza del documentario moderno è la performance nella vita reale e il ruolo cospicuo dei registi nel suscitarla;
qui, Greene è l’interlocutore cruciale dei lottatori. Il film non è un semplice insieme di osservazioni, anche se la sua visione dell’azione dietro le quinte e sul ring rivela gli sforzi pratici e le agonie fisiche che lo sport richiede. Piuttosto, i lottatori parlano candidamente della loro autoconsapevole creazione di ring personae e filosofeggiano, in arie virtuali davanti alla telecamera, sulle loro ambizioni e sul prezzo che pagano per realizzarle.
Il centro della storia è il sacrificio personale e il trauma autentico, il sangue e il dolore, che concorrono alla creazione delle loro elaborate finzioni.
