Kyoto Animation, l’evoluzione di uno studio anime e la sua visione

Full Metal Panic? Fumoffu! iniziò la sua trasmissione il 25 agosto 2003, circa 15 anni fa: un evento straordinario non solo perché si trattava di una serie divertente, ma perché è stato il primo anime televisivo prodotto da Kyoto Animation. Come sono cambiate le cose per loro da allora, e qual è stata la lunga strada che li ha portati lì?

Questa è la storia di uno studio che ha avuto una filosofia molto chiara molti anni prima del loro grande debutto, e di come ciò abbia portato a un enorme successo e a un ambiente di lavoro insolitamente buono, ma anche ai problemi curiosi che hanno dovuto affrontare. Scopriamo insieme perché KyoAni è unico nel suo genere.

Come molti, non si viene subito a conoscenza di case o società di animazione specifiche quando ci si avvicina all’animazione giapponese per la prima volta. Gli anime venivano dal Giappone: fine della storia. Ma nel tempo è diventato evidente che alcune delle serie e film più apprezzati erano tutti realizzati dallo stesso studio, una centrale di idee chiamata Kyoto Animation.

KyoAni, come viene soprannominato lo studio, a metà degli anni 2000, stava pubblicando mega-hit come The Melancholy of Suzumiya Haruhi e K-On! A parte le loro battute autoreferenziali, c’era qualcosa in questi anime che li separava dai loro contemporanei dell’epoca; una sorta di magia che potrebbe anche far sembrare avvincente e commovente un episodio senza una storia apparente, ambientato principalmente in un’aula in una piovosa giornata invernale.

Kyoto Animation si concentra principalmente su ambientazioni di scene di vita, in gran parte adattamenti di storie di liceali, con l’occasionale inclinazione verso la commedia pazza (Nichijou), il melodramma da batticuore (Sound! Euphonium) o il fantastico (Haruhi, Violet Evergarden).

In tutto questo, c’è una tendenza verso una comprensione delle sfumature del linguaggio del corpo, dell’espressione e del silenzio che produce un senso di calore, liberazione e appartenenza che si può trovare nel più banale Hyouka o K-On!!, di opere bizzarre (Kobayashi Maid-dragon) o serie (A Silent Voice).

Questo stile è il risultato di una cultura di studio unica che ha fatto molto affidamento su animatori interni ben stipendiati, in contrapposizione ai freelance standard del settore, pagati in base alle esigenze. Dettagliato al meglio da osservatori del settore dedicati come SakugaBlog, lo studio ha investito molto nello sviluppo dei tirocinanti, con tutoraggio e una propria scuola di animazione, sicurezza del lavoro, congedo di maternità e politiche orientate a ridurre l’onnipresente cultura giapponese del superlavoro e nutrire una nuova generazione di animatori e registi.

Lo studio ha anche avuto una reputazione in particolare per concentrarsi sul talento femminile, assumendo donne in proporzioni maggiori rispetto agli standard del settore e promuovendo registi interni pluripremiati come Naoko Yamada (A Silent Voice) o ex alunni come Tomoe Aratani di Nintendo, anche se questo è per non sottovalutare i loro colleghi maschi altrettanto qualificati come Yasuhiro Takemoto (Hyouka, La scomparsa di Suzumiya Haruhi) o Tatsuya Ishihara (Sound! Euphonium, Chuunibyou). Di seguito un estratto di Full Metal Panic? Fumoffu! pubblicato su YouTube:

L’inizio dell’avventura…

Yoko Hatta, una pittrice con esperienza su titoli classici come Princess Ribbon alla Mushi Production, ha lasciato lo studio e si è trasferita a Kyoto dopo aver sposato Hideaki Hatta. Una volta lì, ha raccolto alcune casalinghe del quartiere sotto il nome di Kyoto Anime Studio, dedito per la maggior parte alla pittura di cel per le produzioni Tatsunoko Pro e Pierrot. Hanno iniziato ad apparire nei crediti degli anime nei primi anni ’80, inclusi titoli come SDF Macross, la serie Time Bokan (Ippatsuman e Itadakiman), Genesis Climber Mospeada, i classici titoli delle ragazze Mirai Keisatsu Urashiman, Urusei Yatsura e così via.

Non tutti i membri iniziali – Emiko Honda, Akiko Fujimura, Ayako Takemura e ovviamente la stessa Hatta – sono rimasti mentre passavano da una squadra semi-professionale a un’impresa più seria, ma questo ha già dato il tono a quello che sarebbe diventato uno studio con voce prevalentemente femminile.

Nel 1985, Hatta prese una decisione importante: fondare una società vera e propria, la Kyoto Animation, che avrebbe avuto suo marito Hideaki Hatta come presidente ma la manterrebbe come capo delle operazioni; quell’accordo non è cambiato durante la vita dello studio, e fino ad oggi ha ancora l’ultima parola sui loro progetti anime. Lentamente iniziarono ad essere accreditati con il nuovo nome della società, anche se gli Hatta hanno sempre mantenuto il Kyoto Anime Studio nei loro cuori, ecco perché è stato accreditato per la composizione del primo anime indipendente di KyoAni decenni dopo. È difficile dimenticare come si è iniziato.

Ma non andiamo troppo avanti, dal momento che quelle prime fasi dello studio erano piene zeppe di sviluppi importanti.

Solo un anno dopo la sua nascita formale, Kyoto Animation ha creato il proprio dipartimento di animazione, seguito successivamente da una troupe artistica e infine da un dipartimento di fotografia alla fine degli anni ’90.

Col passare del tempo è diventato un evento normale vedere il loro nome supportare produzioni importanti, che si tratti di disegni intermedi (Kimagure Orange Road, 1987), animazioni chiave (Dirty Pair OVAs e Mister Ajikko, 1988) o persino illustrazioni di sfondo (Neon Genesis Evangelion, 1995), il tutto mentre svolgeva anche un piccolo lavoro di assistenza su opere teatrali importanti come quelle di Ghibli o Akira. È importante notare che questo non era notevole di per sé, dal momento che siamo in un settore in cui tutti devono aiutare i propri coetanei, ma la loro capacità di affrontare regolarmente porzioni considerevoli di ciò che gli era stato affidato e di produrre un lavoro di alta qualità ha fatto guadagnare loro un rapido riconoscimento.

Il primo caso importante di questo risale al 1987. Lo studio non esisteva da molto tempo, ma a quel punto avevano assistito abbastanza progetti Tatsunoko da attirare l’attenzione dell’ormai leggendario produttore Mitsuhisa Ishikawa. All’epoca stava cercando una via d’uscita dallo studio, quindi quando arrivò il momento di produrre Zillion, affidò a Kyoto Animation la co-produzione della serie… anche se per sua stessa ammissione, è finita per essere la prima produzione di KyoAni – non proprio la produzione dello spettacolo poiché non erano preparati per quello, ma gestendo efficacemente la sua produzione.

Ciò ha pienamente guadagnato la fiducia di Ishikawa e ha stabilito un legame sottile ma cruciale, poiché nello stesso anno Hideaki Hatta è diventato uno degli azionisti iniziali della nuova sussidiaria di Ishikawa IG Tatsunoko. KyoAni che gioca un ruolo nell’esistenza di un’entità così massiccia e apparentemente non correlata come Production I.G.

La strada per stabilire uno stile individuale

KyoAni aveva già una lunga storia di lavoro di qualità prima dei primi anni 2000, con una buona reputazione come studio di outsourcing e una serie di solide prime serie. Ma la popolarità esplosiva dei loro adattamenti di Haruhi, Lucky Star e K-On, opere che hanno praticamente ridefinito gli anime di quell’epoca, li ha catapultati al riconoscimento di massa sia da parte dei fan che cercavano serie di alta qualità che da editori alla ricerca di animazioni redditizie per il mercato di massa.

Lo studio ha preso questo successo e lo ha reincanalato nella loro filosofia dominante di promuovere talenti nuovi e imminenti. Sono diventati i propri editori, lanciando concorsi per storie originali da animare (Free!, Beyond the Boundary) o cercando attivamente editori e storie esterni invece del contrario. Hanno anche iniziato a prendere una quota maggiore dei profitti derivanti dal merchandising, reimmettendola in cose come stipendi regolari o iniziative per l’infanzia, in politiche che significavano che i creatori a tutti i livelli potevano semplicemente concentrarsi sulla loro arte e nella creazione di un ambiente in cui talento e visione potessero fiorire.

Il recente e devastante attacco allo studio di animazione di Kyoto colpisce il cuore di uno dei creatori di anime più leggendari e celebrati; le persone e gli artisti, i tutor e gli studenti, a cui è stato dedicato lo studio. È un duro colpo per l’industria degli anime e per la cultura giapponese in generale, e una tragedia di dimensioni ancora da comprendere.

Per quanto esperti possano essere stati, è impossibile sviluppare un sapore unico se tutto ciò che fai è gestire singoli elementi nelle produzioni di altre persone. Artisti come Takeshi Kusaka si sono affermati come figure importanti nell’infanzia dello studio, eppure mancavano di qualsiasi stile personale. Questa sarebbe una situazione perfetta se il tuo obiettivo è quello di essere uno studio di supporto, ma come puoi immaginare, non era così.

Il primo passo per andare avanti, naturalmente, è stato iniziare a realizzare i propri episodi e cortometraggi.

E tra tutte le cose che avrebbe potuto essere, il primo pezzo autonomo della Kyoto Animation è stato Shiawasette Nani: un cortometraggio del 1991; lungi dall’essere degno di nota di per sé, anche se ha accidentalmente svelato alcuni ruoli creativi che vedremmo anni dopo.

La richiesta di materiale di predicazione da KyoAni è diventata un po’ una tendenza, visto che sono stati anche incaricati di OVA educativi dal governo. Forse tutte le battute sull’haruhiismo degli anni 2000 erano destinate a esserlo.

Studio di outsourcing di lusso

Se volete capire la direzione presa dallo studio, però, ti consigliamo di guardare indietro a Noroi no One Piece del 1992, una coproduzione con Shin-Ei Douga che è stato il debutto alla regia di Yoshiji Kigami. Quasi ogni parte di quella fase ha cambiato l’identità di KyoAni e ha ancora un enorme effetto su di loro al giorno d’oggi. Sebbene i due studi avessero iniziato a stabilire un collegamento prima di questo progetto attraverso l’assistenza su franchise come Doraemon, questa può essere considerata la loro prima grande collaborazione. Piuttosto l’importante sviluppo contenuto in una VHS per lo più dimenticata!

Kigami era uno degli assi dell’animazione di Shin-Ei – prima come membro effettivo dello studio e poi legato ad Animaruya, un gruppo di ex membri di talento che lavoravano ancora per loro – quindi il suo primo incontro come regista è stato un evento degno di nota. Stiamo parlando di qualcuno abbastanza talentuoso da essere considerato un rivale dall’unico e solo Toshiyuki Inoue!

Kigami aveva già mostrato la sua seducente fluidità comica e la sua comprensione del complesso lavoro di ripresa del suo mentore Hiroshi Fukutomi quando lavorava a Sasuga no Sarutobi. E altrettanto importante, aveva lasciato un’impressione molto forte lavorando su film iconici sull’ascesa del realismo negli anime; non molte persone possono vantarsi di aver scritto alcune delle scene più impressionanti de La tomba delle lucciole e Akira. E non lo farebbe, ma ha sicuramente il diritto di farlo.

Noroi no One Piece è una raccolta di racconti inquietanti scritti da Shungicu Uchida, tutti incentrati su un abito maledetto che porta sfortuna a chi lo indossa. Ciò che lo rende così interessante non sono le sue trappole horror semplici ma efficaci, ma piuttosto l’impeccabile espressione del personaggio, che mescola l’attenzione al gesto con i giusti livelli di elasticità nell’animazione; questo tipo di recitazione approfondita sarebbe eccezionale nel migliore dei casi, per non parlare del debutto sia di un regista, che di uno studio, per quello che doveva essere un piccolo progetto.

Kigami ha visto un diamante grezzo all’interno di KyoAni: la stoffa di una squadra creativa tecnicamente brillante, in attesa dell’arrivo della persona giusta per scoprirli.

E da quel momento in poi, quello è stato esattamente il ruolo di Kigami. Piuttosto che trasmettere aspetti puramente tecnici – cosa che fece anche lui, al punto che ancora oggi la maggior parte degli animatori in studio disegna effetti in forme simili a Kigami – quello che si è sforzato di diffondere è stato l’atteggiamento Shin-Ei di non tagliare gli angoli.

Non solo per dare il massimo durante le scene frenetiche isolate, ma per essere estremamente meticolosi anche nel descrivere il comportamento dei personaggi.

Questo semplice precetto che ha portato all’identità di animazione unica dello studio è stato frainteso come un tentativo di porre la recitazione sommessa al di sopra di tutto, il che è leggermente fuori luogo. Kigami non è estraneo all’esagerazione e all’animazione oltraggiosa dei cartoni animati, avendo diretto alcuni degli episodi più estremi in progetti come Nichijou. Essere semplicemente disposti a essere ugualmente meticolosi quando si descrive la vita di tutti i giorni è così eccezionale nello spazio degli anime che può far sentire le persone che è tutto ciò che c’è.

Nuova era per gli anime e per lo studio

L’approccio umano di Kigami ha risuonato con lo studio sin dall’inizio. KyoAni potrebbe non aver ancora avuto uno stile definito, ma la squadra aveva già un’etica chiara. Le persone spesso chiedono perché altre società di produzione di anime non imitano il modello di Kyoto Animation, se è così positivo e ha portato direttamente al loro successo.

La risposta è semplice ma scoraggiante: come si vede in un film del 1992 di Masahiro Haraguchi, hanno dovuto attenersi alle loro convinzioni per molto tempo per diventare ciò che sono; i riferimenti espliciti alla comunicazione tra il personale in uno spazio condiviso, il posto di lavoro che trasuda dolcezza, il tentativo di gestire ogni fase del processo produttivo, la preminenza del personale femminile: questi sono tutti punti che vengono sollevati ora per spiegare cosa li rende diversi dai loro coetanei, eppure erano già un fattore decenni fa. Per quanto possono provare, non è facile per altri studi emularlo, soprattutto perché correre rischi di gestione ora è ancora più pericoloso nel clima di oggi.

Questa capacità di fornire un lavoro di alta qualità fin dall’inizio ha attirato l’attenzione dei principali studi, sempre alla ricerca di nuove mani capaci. È facile capire perché lavorare con loro è diventata una prospettiva così interessante. KyoAni ha dimostrato di essere una squadra di assistenza molto coerente, come si vede dai 33 episodi di Inuyasha che hanno completamente prodotto fornendo anche aiuto ad altro personale della serie.

Il loro lavoro era solido nel peggiore dei casi ed eccezionale nel migliore dei casi, eppure potevano mantenere le cose abbastanza economiche grazie alla loro posizione ed evitando ulteriori subappalti, poiché avevano tutti i dipartimenti necessari per realizzare anime. Gli spettatori al giorno d’oggi associano l’outsourcing degli anime a cattive pratiche di produzione… il che, per essere onesti, tende ad essere vero, ma non è sempre stato così. Per circa un decennio, subappaltare il lavoro alla Kyoto Animation è stata una mossa molto intelligente.

Il risultato di quel fascino furono infinite richieste di aiuto. Si dice spesso che l’eccellente gestione del programma dello studio, un altro tratto distintivo, sia stata sviluppata mentre si destreggiava tra tutte le richieste ricevute in questo periodo.

Negli anni ’90 e nei primi anni 2000 erano dappertutto, a cominciare dalle produzioni curate dalle loro vecchie conoscenze. Hanno continuato ad aiutare Tatsunoko e in particolare i franchise Doraemon e Shin-chan di Shin-Ei, raggiungendo il picco con contributi ai loro progetti in cui l’approccio intransigente che lo studio aveva ereditato da Shin-Ei in primo luogo si sentiva come a casa.

Anche il vecchio compagno Pierrot ha avuto un buon assaggio delle loro abilità, non solo attraverso vari programmi TV, ma anche quando hanno lasciato che un’azienda novellina come loro producesse essenzialmente un intero film di Kimagure Orange Road. Anche l’industria dei videogiochi li ha rapidamente contattati, il che ha permesso a vari franchise di presentare sequenze di apertura animate da KyoAni.

La loro abbondante produzione all’epoca rende questo un periodo affascinante della loro storia, ma per avere una buona comprensione della storia dello studio, dobbiamo separare le innumerevoli curiosità (come questa collaborazione tra Mamoru Hosoda e KyoAni) dagli sviluppi significativi. A dire il vero, non tutto il lavoro in subappalto è uguale. Quelli guidati da Kigami erano meravigliosi in quanto le risorse erano realisticamente allocate e poi alcune (soprattutto quando poteva supervisionare e fornire animazione oltre alla regia), mentre quelle nelle mani delle nuove generazioni erano generalmente più modeste all’inizio.

Full Metal Panic? Fumoffo!

Tatsuya Ishihara è un caso interessante, dal momento che non è mai stato tutto ciò che ha investito nel processo di animazione e ha colto al volo opportunità di regia nel momento in cui si sono presentate. È diventato il loro regista più onnipresente e ha sviluppato un senso per la commedia slapstick moderata che era molto radicata ai suoi tempi, il che rende la sua produzione attuale stranamente anacronistica quando si tratta di umorismo.

Ciò è in contrasto con Yasuhiro Takemoto, che aveva origini simili, a parte il fatto che era più innamorato dell’animazione, e tuttavia è arrivato a seguire un percorso molto diverso. Ha gradualmente sviluppato quella comprensione dello spazio fisico che rende le sue opere così speciali e ha acquisito uno stile ancora più unico quando è entrato in contatto con Akiyuki Shinbo per la produzione di The SoulTaker. Sebbene sia diventato più un regista solenne che appariscente, ha mantenuto quell’apprezzamento per le inquadrature in chiaroscuro e il monocromatismo con accenti, oltre a quella messa in scena surreale per le situazioni che lo richiedono.

Altre figure sono emerse all’interno dello studio durante quel periodo (come Yoshiko Shima, la prima regista donna di KyoAni), ma se dovessi evidenziare qualcuno come il loro nuovo asso, quello sarebbe senza dubbio Tomoe Aratani. Sebbene sia entrata a far parte dello studio molto più tardi di tutto lo staff di cui sopra, il suo talento e la sua versatilità l’hanno fatta risaltare rapidamente. Non le ci è voluto molto per diventare una storyboarder regolare di Inuyasha, un supervisore e regista ovunque fosse necessario, il primo designer di personaggi dedicato dello studio e persino un mentore di animazione per tutti i suoi coetanei.

La sua profonda consapevolezza dei movimenti del corpo e la capacità di estrapolare manierismi realistici su forme stilizzate di cartoni animati l’hanno resa la risorsa perfetta per lo studio e ha fatto del suo meglio per diffondere i suoi insegnamenti.

La predilezione di KyoAni per l’inserimento delle donne nella direzione dell’animazione e nei ruoli di design dei personaggi può essere facilmente fatta risalire all’impatto positivo di Aratani in queste prime fasi. Al di là del genere stesso, questo è semplicemente un tentativo infinito di cercare di catturare la stessa magia, cosa che hanno fatto e altro, come vedremo in seguito.

Per capire quanto velocemente le cose si sono intensificate in seguito, devi tenere a mente il panorama mutevole dell’anime nel suo insieme. L’industria stava per abbandonare la produzione cel tradizionale e, nonostante le loro radici facessero proprio questo, Kyoto Animation ha colto l’opportunità di crescere a portata di mano facendo conoscenza con i nuovi modi di produzione prima del resto del gruppo

La situazione è paragonabile a quella degli studi attualmente in vantaggio rispetto alla concorrenza quando si tratta di flussi di lavoro digitali, come Colorido, che non sorprende che alcuni artisti delle origini KyoAni tra i loro ranghi. È difficile dire quando avverrà il prossimo sviluppo rivoluzionario in produzione e quale sarà (forse un’intermediazione automatizzata davvero affidabile?), ma chiunque sfrutti prima le nuove possibilità trarrà sicuramente enormi benefici, anche se sono nuovi arrivati.

Com’è stata la loro prima offerta indipendente, allora? Munto era giovanile, spesso goffo, che si imbatteva nei sogni fantasy adolescenziali di Yoshiji Kigami trasformati in un cartone animato. Allo stesso tempo, è stata un’impresa di animazione sorprendente che si colloca facilmente tra i lavori di debutto in studio più spettacolari. Vale la pena notare che il primo OVA e il suo sequel del 2005 incanalano in primo luogo le capacità di azione ed effetti del team, il che porta il risultato molto più vicino alle normali vetrine di sakuga dell’anime di quanto non lo sia normalmente l’output dello studio. Invece è stata l’incarnazione della serie del 2009 – il formato piuttosto disordinato che ha finito per avere, forse meritatamente – che ha fatto di tutto per umanizzare i personaggi attraverso la loro recitazione in quel modo distintamente KyoAni.

La loro prima serie TV, che ora ha raggiunto il suo 15° anniversario, non era altro che Full Metal Panic? Fumoffo!; uno spinoff che ha rappresentato un bel cambiamento per il franchise, cambiando studio e genere in un colpo solo. Quando ha diretto la sua prima serie, Yasuhiro Takemoto non aveva ancora sviluppato il senso di calore che oggi dà alle sue opere un sapore riconoscibile anche quando gestisce generi molto diversi, quel tocco speciale che rende le opere diverse come High Speed! e Maidragon sentono di condividere qualcosa di significativo.

Tuttavia, ha messo a frutto tutta la sua eccentrica esperienza comica, incluso un episodio completamente narrato attorno al concetto di nascondere ingegnosamente la nudità che deve essere vista per crederci.

C’è una ragione per cui è ancora uno dei membri dello staff di riferimento quando si tratta di umorismo surreale, nonostante gli spettatori lo associno al lavoro stoico.

Vale la pena notare che, mentre Fumoffu! è sicuramente il primo spettacolo di KyoAni, non è completamente loro come le produzioni che lo hanno seguito. Per quanto capaci, lo studio semplicemente non aveva abbastanza personale per realizzare un’intera serie senza compromettere la qualità. La soluzione a questo problema è stata affidare completamente 4 episodi a Tatsunoko, che li ha accompagnati in questa avventura anime fin dall’inizio; un toccante capovolgimento di ruolo, nonostante il fatto che questi episodi in subappalto non siano stati all’altezza dell’esecuzione del resto della serie. L’esperimento ha dato i suoi frutti in entrambi i casi, e quando Full Metal Panic: The Second Raid (l’ultima stagione di FMP che ha evitato che la sua produzione implodesse orribilmente) è stato trasmesso nel 2005, lo studio era già in grado di produrre un intero programma televisivo.