Lo Studio Chizu è il quartier generale del regista Mamoru Hosoda, fondato durante la produzione di Wolf Children – Ame e Yuki i bambini lupo. Il nome dello studio, assegnatogli dallo stesso Hosoda, significa “mappa” in giapponese.
Il nome dello studio incarna la filosofia seguente: anche se c’è una lunga tradizione di film d’animazione che sono stati rappresentati da altri studi, come Toei e Disney, ci sono ancora motivi e temi inesplorati con possibilità illimitate. Lo studio vuole essere autosufficiente e determinato con uno spirito di sfida come gli avventurieri che salpano per i grandi mari verso una frontiera di possibilità.
Per scoprire un nuovo continente di film che nessuno ha mai visto prima e per disegnare una nuova mappa su quella terra inesplorata.
I personaggi principali dei film di Hosoda possiedono una vitalità e una forza interiore che gli permette di scegliere e coltivare un futuro di propria spontanea volontà. Il logo di Studio Chizu manifesta quell’esuberanza e quell’energia.
La filosofia dei film del regista Hosoda è che “dovrebbero servire il pubblico come un parco dove si riuniscono molte persone”.
Lo Studio Chizu è un luogo che abbraccia i pensieri e le filosofie del regista Hosoda sui film e sono le sue stesse opere. L’immagine nel loro logo è un riferimento a Makoto Konno, il personaggio principale del film del 2006 diretto da Hosoda, La ragazza che saltava nel tempo (The Girl Who Leapt Through Time).
Lo Studio Chizu è stato fondato da Yūichiro Saitō e Mamoru Hosoda, entrambi legati allo studio di animazione Madhouse. Saito lavorava con Madhouse dal 1999 e aveva co-prodotto La ragazza che saltava nel tempo, diretto da Mamoru Hosoda. Lo scopo dello studio è stato descritto da Saito come uno “studio d’autore” per Hosoda, il quale stesso ha affermato che
la creazione di Studio Chizu era necessaria per realizzare i film che aveva in mente senza limitazioni.
Wolf Children – Ame e Yuki i bambini lupo
Studio Chizu ha co-prodotto il suo primo lungometraggio Wolf Children – Ame e Yuki i bambini lupo con Madhouse, uscito nel 2012. Ha guadagnato circa 55 milioni di dollari e ha vinto il suo primo Japan Academy Prize per film d’animazione dell’anno. Nel 2013, lo studio è stato contattato da un rappresentante della compagnia cinematografica francese Gaumont, che voleva lavorare con Studio Chizu per distribuire i suoi film a livello internazionale. Questa partnership di distribuzione è stata annunciata nel 2014.
Tra quelli che in qualche modo erediteranno il “testimone” della lezione di Miyazaki c’è sicuramente Mamoru Hosoda. Wolf Children, la toccante storia di formazione su una madre che si trasferisce in campagna per crescere i suoi due figli lupo, è una favola in un’ambientazione di vita reale, disegnata foto-realisticamente in una luce che rivaleggia con quella di Monet. Come si allevano esattamente i bambini lupo? Come il vampirismo, la licantropia qui diventa una metafora della pubertà – per crescere e scegliere la propria strada – ma raccontare la storia attraverso gli occhi della madre tormentata, in lutto, ma indomabile conferisce a questo film, una maturità mai raggiunta in opere precedenti.
Wolf Children è una storia piuttosto strana, raccontata in uno stile unico che sembra allo stesso tempo sentimentale, cupo e strano. Come indica il titolo, questa è una storia non sull’avere figli che sono metaforicamente parlando animali selvaggi, ma sulle sfide di crescere bambini che sono letteralmente metà lupo e metà umani.
“È una storia su mia madre, ed è vera”, insiste la narratrice del film. “Ogni parola”.
A raccontare la storia infatti è Yuki, la figlia maggiore di Hana, una giovane donna indomabile il cui motto è: ogni volta che le cose si fanno difficili, gli offro il mio miglior sorriso e in qualche modo riesco a farcela.
Hana è una studentessa dell’Università di Tokyo quando un giovane meditabondo nella sua aula cattura la sua attenzione. Si scopre che il gentiluomo ha molto su cui rimuginare: si scopre che è un individuo che può trasformarsi in un lupo a piacimento. Difficilmente uno di quei vecchi lupi mannari dei film, questo uomo lupo è un tipo pieno di sentimenti che assomiglia più a un modello di Vogue che a Lon Chaney Jr.
Questi due si innamorano immediatamente e presto hanno due figli, Yuki e suo fratello minore, Ame, che ereditano entrambi i doni di trasformazione del padre. Qui la storia prende una piega inaspettatamente cupa e Hana deve crescere i suoi figli come genitore single…
Wolf Children vanta una grafica lirica e una storia insolita, entrambe in contrasto con la voce fuori campo iper-colloquiale del film. È anche affascinante vedere i soliti temi della genitorialità – la difficoltà di lasciar andare, la preoccupazione se i tuoi figli troveranno il loro posto nel mondo – trasferiti in una situazione in cui la natura di lupo di tuo figlio è parte della discussione.
La potenza narrativa e grafica di questo film non poteva che essere la scintilla da cui sarebbe nato in seguito il mondo unico e brillante dello Studio Chizu.
The Boy and the Beast
Lo studio ha continuato producendo The Boy and the Beast, che è stato pubblicato nel 2015 guadagnando circa 49 milioni di dollari e vincendo per la seconda volta il Japan Academy Prize for Animation of the Year.
Il progetto di Mamoru Hosoda, The Boy and The Beast, ha sancito la collaborazione di Studio Chizu con un distributore in Francia e impostato i piani per le vendite internazionali dell’opera. Le vendite internazionali sono molto importanti per lo studio. Hosoda infatti vuole realizzare film che possano intrattenere il pubblico anche dall’altra parte del globo.
Per prendere in prestito le sue parole, vuole realizzare film che abbiano una “universalità“.
Inoltre Studio Chizu ha capito che per conquistare un pubblico più ampio le sue opere devono trascendere i generi. Anche dal punto di vista commerciale, hanno dovuto seminare in pascoli più ampi. Finora, come regola generale, hanno lavorato con distributori specializzati in opere d’animazione, ma è stato anche loro desiderio lavorare con partner che non solo comprendono il loro lavoro in un contesto di animazione, ma che hanno anche l’ambizione di trascendere quei confini di genere e mettere il loro film, più in generale, sulla mappa della storia del cinema.
Nel 2013, un signore di nome Johan si è avvicinato a loro. Era un giovane sulla trentina ed era un fan di Hosoda. Disse che voleva i diritti di distribuzione perché pensava che il lavoro di Hosoda potesse trascendere il genere e che avrebbe fatto del suo meglio per venderlo e distribuirlo anche in Francia. Yuichiro Saito ha pensato di dover fare affari con qualcuno come Johan perché non solo mostrava rispetto per il lavoro di Hosoda, ma aveva anche un buon occhio in generale e un senso degli affari.
È successo che questa persona con cui volevano fare affari fosse con Gaumont, una società francese che vantava una storia di 120 anni ed era la più antica compagnia cinematografica del mondo. Il resto è storia: avevano finalmente legami con distributori, direttori e curatori di festival cinematografici in tutto il mondo. Sono stati anche produttori, distributori e agenti di vendita di film come Gli Intoccabili e Le Grand Blue. Erano film apprezzati dal pubblico di tutto il mondo e che avevano segnato la storia della cultura e del cinema. Saito ha ritenuto che fossero buoni partner per aiutarli a seminare i loro semi e con cui condividevano la stessa filosofia, quindi hanno chiesto loro di occuparsi delle vendite e della distribuzione.
In poche parole, volevano Mamoru Hosoda, perché pensavano che fosse prima di tutto un regista che usa l’animazione come forma di espressione, per lasciare il segno nella storia del cinema.
Andando avanti, volevano che i suoi film viaggiassero dall’altra parte del globo. Questo a portato a lavorare con una società che la pensa come Gaumont, che crede che il lavoro di Hosoda passerà alla storia del cinema. Questo perché le sue opere sono rilevanti per i nostri tempi e vediamo che è uno che cerca di avventurarsi in un nuovo territorio usando ancora temi e motivi specifici e che colpiscono l’immaginario collettivo. Descrive valori universali e lavora pensando all’intera storia del cinema.
The Boy and the Beast rientra perfettamente in questi parametri, essendo un mix visivamente impressionante di animazione disegnata a mano e CGI con elementi di base di azione e avventura che sono sempre visceralmente soddisfacenti grazie all’amore per l’umanità di Hosoda.
Mirai
Studio Chizu poi ha prodotto il seguente film di Hosoda, Mirai, nel 2018 e ha ricevuto una nomination all’Oscar per il miglior film d’animazione. Questo film ha anche fatto vincere allo studio il suo terzo Premio dell’Accademia giapponese per film d’animazione dell’anno nel marzo 2019. Mamoru Hosoda si colloca tra i migliori nel suo campo con questo racconto pittorico di una storia di un fratello e una sorella.
La gelosia tra fratelli è il tema al centro di questo film anime intimo ma caleidoscopico, il primo del suo genere ad essere presentato in anteprima a Cannes, in cui il bambino di quattro anni Kun (Moka Kamishiraishi) deve fare i conti con l’arrivo della sua sorellina, Mirai.
Il film, continuando il lavoro emotivamente astuto mostrato in Wolf Children (2012), fa la spola tra le varie generazioni in modo altrettanto fluido.
Le sequenze fantasy – che siano l’immaginazione di Kun o qualcosa di più magico non è chiaro – sono sontuose; le rovine gotiche e le trombe d’acqua piene di pesci che esplodono dal rifugio nel giardino di Kun trasmettono il suo sconvolgimento interiore. Proprio come nella mente di un bambino di quattro anni, il banale e l’epico sono sinonimi.
Mirai conclama Hosoda nella massima espressione artistica dell’industria giapponese, mostrando uno spirito di romanticismo sfrenato simile a Your Name (2016), il punto più alto dei film anime negli ultimi anni. L’unico “difetto”, non ha lo stesso grado di padronanza narrativa: alcune transizioni sfiorano un po’ l’eccesso offuscandone il finale.
Ma lo stile pittorico delicato di Hosoda è perfetto per catturare l’evanescente paradiso immaginario di un bambino e trasmettere il messaggio sul coraggio necessario per lasciarlo andare.
Chi sono Mamoru Hosoda e Yuichiro Saito
Mamoru Hosoda nel 1991 è entrato a far parte della Toei Doga (ora Toei Animation) ed era un animatore lì prima di diventare un regista. Nel 2003 ha diretto Superflat Monogram, un video per la collezione primavera/estate di Louis Vuitton. Successivamente è diventato freelance e nel 2006 ha pubblicato il film anime The Girl Who Leapt Through Time, che, nonostante la sua uscita su piccola scala, si è rivelato un successo al botteghino supportato da giovani spettatori.
È stato anche il primo vincitore del premio Japan Academy Prize per la migliore animazione, e di numerosi altri premi. Nel 2009, ha pubblicato Summer Wars basato su una storia che ha scritto lui stesso, ed è diventato un grande successo incassando 1,65 miliardi di yen di vendite al botteghino e attirando un pubblico di 1,26 milioni di persone. Come il suo film precedente, ha vinto il Japan Academy Prize, inoltre ha ricevuto un invito formale al Festival Internazionale del Cinema di Berlino 2010 e che ha dato a Hosoda una nomination per l’Annie Award 2011 come miglior regista, portandolo nell’Olimpo dei registi di animazione giapponesi.
Nel 2011, lui e il produttore Yuichiro Saito hanno fondato lo studio di animazione Studio Chizu. Wolf Children, che ha diretto e di cui ha scritto la sceneggiatura e la storia, è diventato un grandissimo successo che ha attirato un pubblico di 3,44 milioni di spettatori e ha incassato 4,22 miliardi di yen al botteghino.
Yuichiro Saito, il produttore dello Studio Chizu, dopo aver studiato negli Stati Uniti, è entrato in MADHOUSE nel 1999. Sotto la guida del produttore Masao Maruyama, ha partecipato a numerosi progetti di animazione di creatori di alto profilo, come Rintaro, Gisaburo Sugii, Toshio Hirata e Morio Asaka. Inoltre, è stato impegnato in coproduzioni con studi di animazione stranieri e collaborazioni live-action.
Alla MADHOUSE, ha prodotto un film di Yoshiaki Kawajiri, “Highlander: The Search for Vengeance” (2007), e due film di Mamoru Hosoda, “The Girl Who Leapt Through Time” (2006) e “Summer Wars” (2009). Dopo aver lasciato i MADHOUSE, ha fondato lo Studio Chizu con Mamoru Hosoda nel 2011. Da allora ha prodotto esclusivamente opere di Mamoru Hosoda: Wolf Children (2012), The Boy and the Beast (2015) e Mirai ( 2018). L’ultimo film, Mirai (2018), è stato nominato come miglior film d’animazione ai 76th Golden Globe Awards come primo film asiatico e ha vinto il premio come miglior film d’animazione indipendente ai 46th’s Annie Awards. Inoltre, il film è stato anche nominato come miglior film d’animazione alla 91a edizione degli Academy Awards, ed è diventato un candidato.
Studio Chizu ha adoperato una strategia di sviluppo semplice ed efficace per il mercato internazionale. Infatti, ha sempre avuto in mente il pubblico internazionale. Per loro è stato giusto riflettere sul tipo di progetti che avrebbero attirato l’attenzione delle persone anche dall’altra parte del globo, e aver trovato dei modi per portarli fino a loro.
Alcuni progetti possono richiedere da 10 a 20 anni, ma tutto quello che hanno fatto è stato lavorare film dopo film e continuare ad affrontare nuove sfide. Lo Studio Chizu ha una filosofia modesta, se può continuare a fare film o meno dipende davvero dal feedback del pubblico. Sono loro che ci offrono questa opportunità. Quindi si è sforzato di soddisfare le loro aspettative e di creare film che ogni fan possa sentire familiare.
Hosoda crede che la meraviglia e le difficoltà che una famiglia incontra sia condivisa anche dalle famiglie di tutto il mondo, quindi se una famiglia può affrontare tali difficoltà, allora tutte le famiglie possono farlo. Questa è l’idea che vuole condividere con il pubblico di tutto il mondo attraverso il suo lavoro.
I temi ricorrenti nel suo lavoro si sono alternati tra “tempo” e “due mondi” e i conflitti che sorgono tra loro, quindi se seguiamo quella sequenza, il suo prossimo lavoro riguarderà il “tempo”. Lo Studio Chizu inoltre ha bilanciato successo commerciale e qualità artistica perché non si considera una “società” né le opere che fornisce opere “aziendali”. Le opere sono rigorosamente di Hosoda, e lo “studio” è il luogo in cui gli artisti si riuniscono. Questa è la loro premessa. Studio Chizu non pensa necessariamente in termini di successo commerciale e qualità artistica. Sono uno studio d’autore. Tutto ciò che si sforzano di fare è semplicemente rendere il lavoro del regista nel miglior modo possibile e portarlo nel mondo.
Il segreto per cui un film d’animazione riesce a raccontare una bella storia è che la risposta non sta nell’azienda. Sta nell’individuo e nell’artista. Questo è l’approccio di Studio Chizu e la filosofia di Hosoda nel cinema. Il senso dell’avventura è necessario non solo nel realizzare film avvincenti, ma anche nel cercare modi per portarli al pubblico. Continuando a cercare di posizionare le opere in un contesto storico e agli occhi del pubblico e creare un senso di attaccamento alle opere.
Prendendo in prestito le parole di Hosoda lo Studio, passo dopo passo, intende fare da pioniere in un nuovo territorio con l’arte dell’animazione. Vuole aprire nuove possibilità nel cinema e per il pubblico e offrire loro una più ampia varietà di lavoro.
C’è una chiave o una strategia che ha portato i film d’animazione giapponesi sul mercato internazionale? Certo che sì, ma in tutta sincerità, vale la pena rivisitare il valore dei festival cinematografici. È attraverso i festival cinematografici che possiamo vedere la storia e il contesto del film e quali possibilità ci attendono. È anche il luogo in cui i creatori possono confrontare e discutere i valori e l’estetica.
Belle
Il prossimo film Belle, è stato presentato in anteprima il 15 luglio 2021 al Festival di Cannes 2021, dove è stato accolto dalla critica con una standing ovation durata 14 minuti. Il film è scritto, diretto e prodotto dal celebre regista Mamoru Hosoda.
Il team di Studio Chizu è affiancato da un impressionante elenco di talenti provenienti da tutto il mondo, molti dei quali nuovi nel mondo degli anime.
Gli straordinari design dei personaggi per il personaggio di Belle provengono dal character designer Jin Kim, meglio conosciuto per i film Disney tra cui Frozen, Moana e Raperonzolo.
Il team nominato all’Oscar composto da Tomm Moore e Ross Stewart, che in precedenza hanno lavorato al Cartoon Saloon in Wolfwalkers, Song of the Sea e The Secret of Kells, ha contribuito con splendidi artwork che arricchiscono Il film anime in arrivo. Come per i film precedenti, Hosoda ha anche collaborato con un “architetto” per aiutare a progettare i suoi film, questa volta affiancato dall’architetto e designer britannico Eric Wong, che ha avuto il compito di progettare il mondo virtuale di “U”.
Ludvig Forssell fa il suo debutto teatrale come compositore, dopo aver trascorso l’ultimo decennio come compositore e direttore audio presso Kojima Productions e autore di giochi acclamati dalla critica come Death Stranding e Metal Gear Solid V.
Mamoru Hosoda è uno dei più grandi registi viventi e il suo film The Girl Who Leapt Through Time non è solo uno dei preferiti, ma è stato il catalizzatore per la fondazione di Studio Chizu. Belle rappresenta un dream team di talenti provenienti da tutto il mondo per creare questa nuova avventura in arrivo sul grande schermo.
Belle sarà nelle sale italiane dal 17 Marzo con Anime Factory in collaborazione con I Wonder Pictures
